S君临天下
绘画的基础是素描，素描是最基础的，主要考验你的明暗交界线和塑性能力，在高中专门走美术这条路的，最主要的有三门素描，速写，色彩。要是学习国画还要有一点书法基础。
meteorakira
让-奥古斯特-多米尼克·安格尔（Jean-Auguste-Dominique ingres，1780—1867）法国新古典主义画家。古典主义画派最后的代表人物，早年曾习音乐，后从事绘画，中年以后逐渐取得社会声誉。代表作品有《大宫女》、《土耳其浴女》、《泉》等。他最伟大的贡献在于把古希腊到文艺复兴时期的火炬抓在手里，并且不让它熄灭，虽然有许多嘴想吹熄这个火，应当说他确实用心良苦。
安格尔的素描作品好在：造型严谨，线条精细，气质优雅。按照他自己的话说：“素描是真正的艺术”。他十分重视素描，在作品中着眼于线路和素描关系的悉心研究，他善于把握古典艺术的造型美，把这种古典美融化在自然之中。他从古典美中得到一种简炼而单纯的风格，始终以温克尔曼的“静穆的伟大，崇高的单纯”作为自己的原则。他的绘画吸收了15世纪意大利绘画、古希腊陶器装饰绘画等遗风，画法工致，重视线条造型，尤其擅长肖像画。在具体技巧上，“务求线条干净和造型平整”，因而差不多每一幅画都力求做到构图严谨、色彩单纯、形象典雅，这些特点尤其突出地体现在他的一系列表现人体美的绘画作品中，他的油画突出表现在有严谨的素描关系和形体结构。笔法细腻，画面光润洁净，有令人惊叹的优雅效果。
安格尔素描作品《宫女》1825年
《宫女》创作于1825年，深厚的造型和素描功底支撑起画面。宫女静卧于床榻之上，姿态优美，妖娆而不媚俗，仪态大方，毫不娇羞，神态自然，一双带着笑意，灵动的大眼注视着正在作画的画家，回眸一笑，倾倒众生，一切显得那么自然，仿佛模特儿的美是神圣不可侵犯的。丰满的裸体秀色可餐，娇嫩的肌肤似乎吹弹可破，稍微碰触就如用亵渎神灵般。安格尔一生创作过大量的素描作品，达到炉火纯青的境界，十分注重细节的描绘，宫女手腕上的饰品，以及头上饰品刻画精细与大轮廓的形体形成鲜明的对比。精细的线条流畅生动，如蚕丝般滑过光洁的身体，工整细腻，没有阴影的表现，人体凹凸有致，无一丝多余的成分。画家严格的遵循着古典主义的范式，又突破古典主义的表现范畴，美是他追求的最高典范。宫女光洁的身材略微夸张，脊椎明显长于正常人，背部是女性最柔软的，性感的部位，夸大的弧线使放大的女性裸体美，达到极致。腿部的缩小与叠放的动作，增添了分调皮与可爱。也许会有人认为这是画家的失误造成的，事实上他的精细不亚于任何一位出色的数学家，每一笔的排放都是深思熟虑的结果，假如按照真实的比例描绘，那么，也不会有如此完美的杰作。宫女是画家的理想美，画中的模特不再是鲜活的人体，而是一种高高在上，不可模仿的古典美。
安格尔素描作品：《尼可洛·帕格尼尼》
《尼可洛·帕格尼尼》被很多人所熟知，也常被译作《帕格尼尼像》，在这张素描中，安格尔向世人展示了他深厚的素描功底和对线条的驾驭能力，通过研习《尼可洛·帕格尼尼》这张素描作品，可以向安格尔学习到在素描中运用线条的精髓。
安格尔素描《尼可洛·帕格尼尼》结构示意图
安格尔素描《尼可洛·帕格尼尼》中袖口的线条（A-B）是如何围绕着大拇指以显示其形体和方向的。这条线后来被压在琴弓下，表示琴弓的方向，然后又绕过食指，使这个手指也获得一种形体和方向感。
在指骨变化其方向时， 注意手指上的明暗变化（C-D）是怎样的。安格尔很了解这些规律：上面的面是亮的，下面的面是暗的；正面是亮的、侧面是暗的。你看弓端（E）的方块体的上面的面和下面的面的对比是何等强烈。再注意大衣翻领（F）的上下（G）块面之间的对比。很可能翻领这一位置的块面转折并不是很大，但画家们总喜欢在这里突出这个转折，表示在这个转折之下胸部正面的大块面与躯干下部的块面形成交界。
在（H）位置上，围巾的褶皱表示了圆柱形脖子的朝向。安格尔在这里运用了一个有趣的构思：在用线上，不论这一线条是多么短小，它被用来强调牵动人心的眼睛的瞳孔，这即是所谓画龙点睛的效果。安格尔在右边的那只眼睛的瞳孔周围加了一道较直的边线。注意安格尔是如何精确地把线条运用于大衣上（I）、大衣的口袋（J）上、围巾和翻领（K）的交界面、翻领（L）上、右手边的大衣边线（M）上的。右手上面这条大衣边线如果延伸，会正好碰到弓弦的末端。
suejasmine
找点有步骤图的书，照着步骤图开始临摹，一定要整体作画整体把握。另外我个人对你的工作性质有质疑，速写比素描对于工作性质的需要来得好。建议你练习速写。另外，临摹和写生是两个概念，千万不要因为临摹水平有了提高就自满，写生的练习也是必要的。
京京魅力
徐悲鸿6岁开始跟父亲读书，10岁随父亲乘舟赴溧阳时，便有"春水绿弥漫，春山秀色含，一帆风信好，舟过万重峦"的诗句，以即景成诗的艺术才华闻名乡里。他9岁读完《四书》、《左传》后，便开始随父亲学画，每日临摹一幅吴友如的界画、人物。吴友如是清代末年最大的插图画家，能在尺幅之中描绘亭台楼阁、虫鱼鸟兽、奇花异草，以至千军万马。徐悲鸿每次随父亲进城时，必至画店观赏石涛、八人及任伯年等人之作，回家后凭记忆默写。在父亲的殷勤教导和勇于创新的前辈画家熏陶下，他打下了中国绘画的坚实基础。在寂寞的、缺少玩具的少年时代，徐悲鸿悄悄地爱上了周围的许多动物，并且仔细观察和描绘它们，如温顺的牛、奔驰的马、嘎嘎鸣叫的白鹅、浮游于水面的群鸭、倦卧在墙角或成于树上的花描……都一一出现在他的笔下，宛然如生。 13岁时，家乡大水，达章公便携徐悲鸿金外地煤生。为人画人物、山水、花卉、动物，刻图章，写春联。那时只有城里人像摄影，所以他们经常为人画肖像。这刘少年的徐悲鸿来说，足一种极严格的考验，对他日后在人物画方向的卓越成就有重大影响。当然，这种卖艺的生涯不只是对他艺术功力的磨练，也使他更多地接触下层社会和劳苦大众，激发他忧国忧民的感情，他在当时的画上常署名"神州少年"、"江南贫侠"，表达了他胸怀大志。 少年时代的徐悲鸿已在摸索创造新的绘画风格，当时的强盗牌香烟盒中附有动物画片，悲鸿很爱搜集，又见到各种动物标本，便对标本进行严格认真的写生。一些西方艺术大师的作品复制品更使他萌发了到欧洲去学习美术的朦胧愿望，然而冷酷的现实去横亘在他面前，流浪的生涯使父亲染上重病，他们不得不返回故乡。 17岁的徐悲鸿成为宜兴知名的画家，在宜兴女子师范、彭城中学、始齐小学三校教授美术。19岁时父亲病逝，悲鸿含着深沉的哀痛埋葬了父亲后，决定去上海寻找半工半读的机会。宜兴初级师范的语文教师张祖芬送别他时，殷勤地勉励说："你年轻聪敏，又刻苦努力，前途未可限量。我希望你记住一句话：'人不可有傲气，但不能无傲骨'，我没有什么东西可送你，就以这句嘉话为赠吧!徐悲鸿从心底涌起无限感激，并终身铭记着这句嘉言，将它们作为座右铭。直到他生命的晚年，他仍带着温情对我说："张祖芬先生可称我的第一位知己呵！" 1914年，徐悲鸿来到上海，一位在中国公学担任教授的同乡徐子明曾将悲鸿的画推荐给夏日。大学校长，很受赞赏，并得到安排工作的许诺。当徐子明陪同徐悲鸿来到校长面前时，校长十分诧异，用耳语对徐平明说："他年轻得像个孩子，如何能工作呢？"徐子明热烈地争辩说："只要他有才艺，你何必计较他的年龄呀！"后来，徐悲鸿几次写信给复旦大学校长，都得不到回音；于是，徐悲鸿流落在上海。正在彷徨无计时，徐子明介绍他去找《小说月报》恽编辑恽铁樵。徐悲鸿挟了自己的画和徐子明的信去见怀铁樵，很受青睬，并应允为徐悲鸿在商务印书馆谋一个画插图的小职，嘱徐悲鸿过几天去听回音。 这时，已是秋雨绵绵的季节，徐悲鸿没有雨伞，冒雨去探听回音。恽铁樵先生愉快地说："事情成功了！你不久便可搬到商务印书馆住。"种温暖的感觉涌到徐悲鸿寒冷的身上。他立即赶回旅店，给母亲以及故乡的朋友写信说他已找到了工l作。信刚刚发出，忽然响起急促的叩门声。恽铁樵站在门前，手里拿了一个纸包，神色仓惶的说："事情绝望了！"徐悲鸿急忙拆开纸包，只见里面除了自己的画以外，还有一个批件："徐悲鸿的画不合用。"徐悲鸿觉得心猛然裂开了，血不断地涌出来。 一种难以遏制的痛苦和失望强烈地攫住他，他狂奔到黄浦江边，想要结束自己的生命。混浊而奔腾的汗水汹涌地冲击着江岸，轮船的汽笛尖锐地吼叫着。徐悲鸿解开衣襟，让无情的风刚打入他年轻的胸脯上。当一阵寒冷的颤栗从脚跟慢慢传递到全身时，他才清醒地对自己说："一个人到了山穷水尽的地步而能自拔，才不算懦弱呵！" 徐悲鸿回到了故乡，送走了第一个没有父亲的忧郁的除夕。镇上的一位民间医生用深厚的同情慰勉了他，并赠他一笔小款。于是，徐悲鸿再一次来到上海，但仍找不到工作。一个偶然的机会，上海富商黄震之看到徐悲鸿的作品，十分赞赏他的天才和同情他的遭遇，慷慨的为他提供住宿。但不久，黄震之不幸破产产，徐悲鸿又无所依靠。当时著名岭南派画家高剑父、高奇峰兄弟在上海开设审美书馆，徐悲鸿便画了一幅马寄去，大受赞赏。回信说："虽古之韩干，无以过也！"并请徐悲鸿再画4幅仕女图。这时，徐悲鸿身上只剩下5个铜版，而4幅仕女图要一星期才能画完。徐悲鸿仅能每天以一个铜版买一团糍饭充饥。第六天和第七天便整日不食。当他终于挟着4幅仕女图送往审美馆时，街上正下着大雪，而高氏兄弟不在，徐悲鸿只好将画交给看门人收下，因饥饿难忍，不得不脱下身上单薄的衣服去当掉。 严寒渐渐消退时，徐悲鸿看到震旦大学的招生广告，去报名投考，被录取了。然而入学须交的学费，他只好腼颜去向一位并非富有的同乡阮翟光告贷，阮翟光热情地接待和帮助了他。于是徐悲鸿入学了，除攻读法文外，仍继续作画。一天，他从报纸上看到哈同花园附设的明智大学征求仓颉的画像，便根据古书叙述，画了一幅仓颉像应征，想得到一点稿酬，解决生活困难。几天后，明智大学派车来接他，盛赞他的作品，并请他去教授学术。徐悲鸿说明自己尚在求学，须待学期结束。 暑假来临时，徐悲鸿携带画具，去到明智大学。当时明智大学经常 邀请一些学者名流讲学。徐悲鸿因此结识了著名学者康有为、王国维等人。康有为发现徐悲鸿为艺苑奇才，请他为自己和亡妻以及朋友们画了像，并将自己的全部收藏供徐悲鸿尽情观览。徐悲鸿在康有为的指导下，遍临石碑，书艺得以精进，品味高深，逐渐形成了他那雄奇而潇洒的个人风格。徐悲鸿拿到明智大学给的笔稿酬，决定去日本研究美术。1917年5月，徐悲鸿抵东京，整天寻觅藏画的处所观览。感到日本一些画家已不囿于陈法，渐渐脱去积习，能仔细观察和描绘大自然，达到精深美妙的境界，这使徐悲鸿更坚定了融会中外技法的意愿。他在日本还结以著名艺术家中村不折，看到他收藏的许多中中国古代碑帖和日本绘画精品。中村不折还托徐悲鸿将《广艺舟双辑》的日文本带给康有为。 1917年12月，徐悲鸿来到北京，开始以他那生气勃勃、富有民族风格的绘画在中国地坛显露头角，被北京大学聘为画法研究会导师。他在故宫看到大量优秀的中国古代绘画，从中汲取广丰富的营养。当时北京的知识界很活跃，《新青年》、《每周评论》等刊物对封建思想进行了猛烈的抨击，传播了民主主义的思想和文化，徐悲鸿也受到了深刻的影响，使他站住了新文化运动的前列，成为中国画家中最坚决的革新者。他在北京大学的《绘学杂志》第一期上以《中国画改良论》为题，对中国画中的保守势力进行猛烈的抨击，一针见血地指出："中国画学之颓败，至今日已极矣。凡世界文明，理无奶化。独中国画之在今日，比二十年前退五十步，三百年前退五百步，千年前八百步。民族之不振，可慨也夫。"他认为中国画颓败的原因是："曰守旧，曰惟失其学术独立之地位。"他慨叹写道："要之以视千年前先民不逮者，实为奇耻大辱。"在如何进行革新的问题上，他明确地提出："古法之佳者守之，垂绝者继之，不佳者改之，未足者增之，西方绘画采入者融之。"由于博增湘和蔡无培的帮助，徐悲鸿终于获得去法国留学的公费。1919年3月徐悲鸿怀着向西人学习科学和民主，以复兴中国美术为己任的决心，从上海乘船启程赴法，开始了他艺术生涯中转折性的阶段 。 徐悲鸿到达巴黎后，先在各大博物馆仔细观摩西方艺术的精华及比较他们与东方艺术的不同之处，数月绝笔不画。然后，人徐梁画院研习素描。随后考入巴黎国立高等美术学校，以弗拉孟、高尔蒙为师。每次竞试，都名列前茅。课余，便到卢浮宫和卢森堡美术馆研究各派的异同和名家的造诣。临摹普吕洞、德拉九洛瓦、委拉斯盖兹、伦勃朗等大师的作品。1920年冬，法国人雕塑家唐泼特介绍徐悲鸿认识法国国家画会的领袖达仰•布佛莱，该画会反对陈腐守旧法国艺术家协会，主张在吸收各派之长的基础上创新，他当时享有很高的威望。从此，徐悲鸿每星期大都去达仰面空聆所达仰的教导和参加该派艺术家们的茶会，尤其人与情难尔的交谈中，深受教益。达仰勉励徐悲鸿说："学美术是很苦的事，不要赵慕浮夸，不要甘于微小的成就。"他要徐悲鸿精绘素描，并养成默写的习惯。 1921年4月法国国家美展开幕，徐悲鸿从早至晚仔细观摩，走出会场时，才发现外面下着人雪，而他整人未进餐，又缺少御寒的人衣，顿时感到饥寒交迫，腹痛如绞。从此患上严重的肠痉挛症。他常强迫自己忍痛作画，现仍保存的一幅素描上便写着："人览吾画，焉知吾之为此，每至痛不支也。" 这年夏天，病更剧，而学费已完全断绝，只好去柏林。徐悲鸿在柏林认识了柏林美术学院院长康普，并看到门采尔、绥干第尼及康普的作品，感到在法国见到的佳作虽多，仍受局限。他最爱伦勃朗的画，便上博物院临摹，每人都持续画10小时，其间连一口水也不喝。特别在临摹伦勃朗第二夫人像时，下了很大的功夫，觉得略有收获，但仍不能用在自己的作品上，于是更加努力。 1923年，徐悲鸿回到巴黎后，以油画《老妇》，第一次入选法国国家美展。再谒达仰，陈述学习虽无懈怠，但进步很少。达仰说："人须有受苦的习惯，求学也一样……未历苦境的人往往缺乏宏大的志愿。最大的作家多是毅力最强的人，所以能达到很高的成就，为人类申诉。"达仰要徐悲鸿进一步精绘素描，油绘人体时认真作分部研究，务必体会精微，不要追求爽利夺目的笔触。徐悲鸿遵从达仰的教导，很见功效，于是更加努力。先后有《怅望》、《萧声》、《琴课》、《抚描人像》、《远闻》、《马夫和马》等杰作问世。仅1927年就有9幅作品入选法国国家美展，获得很高的赞誉。 1925年徐悲鸿还曾赴新加坡，为陈嘉庚及其所办的厦门大学作画，并在上海展出历年所作，引起文化界极大的兴趣。康有为当时曾写道："徐悲鸿10年前为我及文慎公、沈子培尚书写像，惟妙惟肖。其于画，盖天才也。同游日本，又学画于法国、德国，深诣7年。今也出所画示我，精深华妙，隐秀雄奇，独步中国，无以为偶。其画固中国所未见，其画派亦中国所未有。" 1926年，徐悲鸿赴布鲁塞尔的博物院临画，他很爱鲁本斯的作品，认为他是古今最大的色彩画家之 1927年春，徐悲鸿赴意大利和瑞士，流连于圣彼得寺的名雕和西斯廷教堂的米开郎基罗的壁画之前，纵情地欣赏了文艺复兴时代大师们的杰作，并游览了庞贝西城，领略了西为古代艺术的气氛。 经过8年勤奋刻苦的学习和钻研，徐悲鸿感到自己已能在创作之前胸有成竹，并能尽情挥写，得心应手。于是，他带着精湛的绘画技法和广博的艺术知识，回到久别的祖国，致力于革新中国绘画的现实主义艺术运动。作为一位诚实正直的艺术家，徐悲鸿的艺术活动和祖同的命运始终紧密地联系在一起。 1927年归国后，徐悲鸿与田汉、欧阳予倩共同创办了南国艺术学院。徐悲鸿在担任美术系主任的同时，开始创作巨幅油画《田横五百士》，歌颂被压迫人民所最可贵的富贵不淫、威武不屈的精神。 1928年，南京中央大学也聘请徐悲鸿担任艺术系教授，徐悲鸿提出不能辞去南国的工作。于是，他十月在南国，半月在中大授课。 1929年，徐悲鸿就任北京艺术学院院长。他以"一口反万众"的坚定态度聘齐白石为教授，极力促进中国画教学的革新。痛感中国许多人才被埋没压抑，他创作了巨幅国画《九方皋》。几经易稿，把千里马遇到知己的欣喜和九方皋虽为樵夫，却具远见卓识的风度，表现得淋漓尽致。1931年至1933年，徐悲鸿用了两年的时间，以《书经》为题材，画出巨幅油画《徯我后》，表达人民反对压迫者，渴望得到解救的心声。 为了宣传中国美术，提高中国艺术的国际地位，1933年，徐悲鸿前往欧洲，举办中国画展。画展首先在巴黎引起强烈震动，参加开幕式的重要人士达3000人，展览应观众要求延长了15天，目录印至三版，报纸一的介绍文章达200余篇。法国文豪保尔•瓦洛里专门为该展撰文介绍。徐悲鸿的作品受到公众的热诚赞扬，法国政府购藏了他的《古柏》一画，法国报纸称赞该画可与巴比松画派大师卢梭相比。 随后，徐悲鸿又赴布鲁塞尔、柏林、法兰克福举办个人画展，获巨大成功。有50多家报纸杂志发表了赞誉文章。徐悲鸿在意大利米兰、苏联列宁格勒、莫斯科举办的中国画展也引起轰动，该展的纪录片在意全国放映，被誉为自马可•波罗之后最重要的文化交流。苏联爱米塔日美术馆还专门成立了中国绘画的展室。徐悲鸿在撰写的《在全欧宣传中国美术的经过》一文中说："吾此次出国举行中国画展，曾在法、比、德、意、苏展出7次，成立4处中国展览室于各大博物院，总计因诸展而赞扬中国文化之文章、杂志达两万万份。吾于展览会一切接洽，在内在外，绝对未用政府名义……其岁糜国人巨款，号称文化基金之任何机关，皆未有一文之助，凡我同民，皆请注意于此点也。"徐悲鸿从苏联带回了珍贵的列宁和托尔斯泰面模，并促成了苏联版画在南京和上海的展览。 1935年，徐悲鸿赴广西，创作了山水画《漓江春雨》，以大泼墨的手法描绘甲天下的桂林山水，情景交融，笔墨淋漓，法新颖独特，是中国大写意山水画的代表之作。 抗日战争爆发后，中央大学迁重庆，徐悲鸿回校任教，并创作了国画《巴人汲水》、《巴之贫妇》等反映入地生活艰辛的作品。 1938年，徐悲鸿携带自己的作品去南洋，先后在新加坡、吉隆坡、槟榔屿、怡保举行画展，盛况空前。徐悲鸿将画展的全部收入捐献，救济祖国的难民。 1940年，徐悲鸿位印度诗哲泰戈尔之邀，赴印度国际大学讲学，并在加尔各答举行画展。泰戈尔在画展序言中写道："中同的艺术大师徐悲鸿在有韵律的线条和色彩中为我们提供厂一个在记忆中已消失的远古形象，而无损于他自己经验里所具有的地方色彩和独特风格……我尽情地欣赏了这些绘画，我确信我们的艺术爱好者将从这些绘画中得到丰富的灵感……多言是饶舌的……这样，我就升起谈话的帷幕，来引导观众走向一席难逢的美好的盛筵?quot; 徐悲鸿为泰戈尔作了10余幅素描速写，并根据它们完成了中国画《泰戈尔人伟大的诗人正在凝神构思一首美丽的诗歌，宁静而神秘的花园有着无穷的诗意。它是徐悲鸿的肖像画杰作之一。在泰戈尔的介绍下，徐悲鸿还为圣雄甘地作了速写像。 在印度，徐悲鸿创作了构思已久的巨幅国画《愚公移山》。画面以艰卓精神和必胜信念震撼人心。在中华民族生死存亡的紧要关头，他以自己的画笔为坚强不屈的同胞写下了无愧于时代的伟大形象。徐悲鸿为这幅画作了一百多幅习作和画稿，最终使用了巨幅宣纸来表现剧烈运动中的人体。这在中日画中是前所未有的，它为中国绘画的发展揭开了新的一页，是历史与现实、西洋画与中国画的完美结合。 1942年，徐悲鸿回到重庆后，在极端艰苦的条件下筹建中国美术学院。同时创作了大量优秀的中国画作品，其中动物画占有十分重要的地位。他笔下的动物都寄托着画家自己的精神，具有强烈的时代感情。他喜写威镇百兽的雄狮，以"新生命活跃起来"的题词点出向已热望的民族觉醒与奋起。在祖同遭到侵略，人们遭受到蹂躏之时，他作的则是怒目欲盼的负伤之狮。他画的骏马以上往无前气魄和狰狞硬骨而受到世界各国人民的喜爱。"问汝健足果何用，为觅生欧蒭尽日驰"，"值须此世非长夜，漠漠穷荒有尽头"，"山河百战归民主，铲尽崎岖大道平"，画家的喜怒哀乐同那堪托死生的奔马已经融为一体了。在风雨长啼的雄鸡、逆风而飞的麻雀、贪食未果的白鹅、颟顸浑沌的懒猪都在栩栩如生、脱纸而出的同时被赋予深刻的寓意，其弦外之音、画外之意给人以美好的回味与深刻的启迪。 1943年夏，徐悲鸿在青城山作了两幅气氛截然不同的人物画，而他们又都取材于屈原的《九歌》。一幅是幽静山谷之中孤独的山鬼，另一幅是短兵相接的激战中为国捐躯的战士。不论是《山鬼》还是《国殇》，画家的悲愤之情皆溢于画外，同祖国的脉搏息息相通。 1946年，徐悲鸿来到北平，担任北平艺专校长。他聘请了许多有影响、有能力的优秀美术家到校任教。针对中国艺术教学的薄弱之处，他重视严格的基本训l练，强调素描是造型艺术的基础，描写物象务求精确。同时，他也反对照抄对象，主张有重点地取舍，既要致广大，又要尽精微，提倡现实主义，要求学生以表现人民生活为己任，而不以抄袭古人为自足，倡导国画的发展与革新。 1949年4月，他作为新中国代表出席了第一届世界保已和平大会。同年，被任命为中央美术学院院长，并当选为全国美术工作者协会主席。繁重的教学工作和社会活动并不曾使他停下画笔，他画了许多著名的劳动模范的肖像。而且，他还继续关怀着校外的青年。每天当第一道晨曦喷射进窗口，他便起床工作了，第一件事便是回复前一大收到的信件，它们绝人部分来自祖国四面八方热爱美术的青年，有人还将作品寄来，要求改正。徐悲鸿都作回复，对每一卷寄来的画都指出优缺点，给予赞扬、鼓励或批评、建议。他因此缩短睡眠时间，数十年如一日。作为一个前辈画家，他感到有责任关怀年轻一代，同时，对自己学画的苦难历程的回顾，也经久不息地燃烧着他这种热情，因此，当代的许多优秀美术家在走向成功的道路上，徐悲鸿都曾给予帮助或寄了深情。 1951年，徐悲鸿带病上山东导沭整沂工程上地体验生活，画了许多民工肖像，准备创作巨幅油画《当代新愚公》。在构图期间，突患脑溢血，半身瘫痪。 1953年，徐悲鸿渐能起床行动，便到中央美术学院为毕业班学生和教师进修小组上课，他感到还有许多知识没有传授给他们，孜孜不倦地为他们讲课、改画，完全忘记自己还在病中。9月23日第二届全国文艺上作者代表人会开幕，他担任执行主席，主持会议。当晚，突发脑溢血，于9月26日逝世。来自全国的文艺界代表送徐悲鸿安葬于北京西郊八宝山革命公墓。 同年12月，徐悲鸿的遗作展览在北京举行，周恩来总理亲自参观，他站在徐悲鸿遗像前，满怀化念地指着徐悲鸿书写的对联"横眉冷对千夫指，俯首甘为孺子牛"说："徐悲鸿便有这种精神。"他赞扬徐悲鸿的作品融汇了古今中外的技法，认为他的油画和素描也具有民族风格，是他自己生话年代的一位艺术大师。 徐悲鸿的故居被辟为徐悲鸿纪念馆，周恩来总理以遒劲的字体题写了"悲鸿故居"的匾额。 徐悲鸿的作品1200多件，他节衣缩食购藏的唐、宋、元、明、清及近代书画家作品1200多件，以及中外美术书籍、画片、碑拓10000多件，由家属全部献给了国家。徐悲鸿只活了58岁，他的生命大短促了。但他那自始至终对祖国和人出的热爱却长存，他具有强烈爱国主义精神和精湛的艺术技巧的作品，陈列在北京的徐悲鸿纪念馆里，激动着成千上万观众的心灵，引起人们对他深
亲爱的猫猫99
美术理论基础知识——素描基本造型考查要点1、形体的点、线、面 我们所描绘的物体都是立体的，而最基本的形体是立方体、球形、柱体与椎体。素描写生可从这四类形体出发，去研究主体构成的基本因素与形体塑造的关系。 点表示位置，是形体塑造的标记，对于造型有着特定的数量意义。先看位置点，找出它的基点与顶点、右点、左点、近点和远点，这些点规定着物体的整体范围和个面之间的大小比例关系。再看转折点，这些点如同交通枢纽，联系着形体中的线与面。 线由点的定向运动产生。线条是点运动的延续，连接起点和终点的是线，任何一幅素描都是由无数的线组合而成。线是形体塑造的中坚，线有着无穷的魅力。 辅助线是指在形体塑造的过程中所借助的假设线。这些线，有助于我们把握形体的动势和形体的整体特征，有利于我们表现形体时能做到从整体到局部有序的进行。 轮廓线反映的是形体转折部分。在绘画过程中，轮廓线的表现要求由直线到曲线，有外轮廓到内轮廓，从而形成物体的立体框架。 面是无数点的组合或无数线排列后的效果，在视觉上形成了面，而面运动产生了体。在造型过程中，面可分为两类，即直面与曲面。 直面立方体在画面上一般是以正面、侧面、顶（底）三个面呈现。 曲面球体借助于光线，在画面上一般是以亮面、暗面、明暗交界线（面）、反光面和投影组合而成。 任何一种复杂的形体，都可以由立方体、球体体面关系去理解和分析。 2、比例与分割 比例是指物体间或物体各部分的大小、长短、高低、多少、窄宽、厚薄、面积风诸方面的比较。不同的比例关系形成不同的美感，观察与表现比例关系有个较好的方法，如先抓住相比关系因素的两极，再确定中间部分，依次分割下去，就可以确定出任何复杂的比例关系 3、特征与基本形 物体的形体特征，是指物象都有自己的特征，使之相互之间得到区别。我们要对形状进行概括与归纳，形成了一个基本形的概念，如圆形：人脸、苹果、罐子、太阳；方形：课桌、书籍、电视机、房子等，因此可以这样说，抓住了基本形就基本抓住了形体的主要特征。 从形体总体出发，对物体的原形进行简化，省去烦琐的细枝末节，以形成简单的几何形状。首先是抓住它的平面形，是方、是圆还是角；再看它的体积特征，属于立方体、球体还是柱体。在具体作画时，先目测高度，再目测宽度，最后作上、下的宽窄比较，就能把握住形体的基本特征。4、转折与轮廓 当构成物体的面发生方向上的变化，形体的面就出现了转折。方形物体转折明显，称为折，圆形物体转折缓慢，称为转。一般的物体的边缘可以看作是转折，立方体外缘内的棱为转折，叫内轮廓。球体内侧的明暗交界可视为转折，也属于内轮廓。在造型过程中，当我们以线去体现形体的转折处，即为轮廓线。根据形体转折内外的部位，轮廓线可分为外轮廓线和内轮廓线。在作画起稿过程中，应集中表现物体的轮廓，抓住轮廓的方法可采取由外到里的方法。 5、结构与构成 结构是指物体本身个部分组合和构造。物体都有内部和外部的构成因素和结构关系，个部分的互相连接穿插、重叠、相离等决定了物体的形体。在素描训练中，对结构加进一些主观成分和表现手法，反映在画面上的形体结构，可看作一种构成。 6、透视与空间 一切物象占有一定的空间，物与物之间也存在着一定的空间距离。如画者与写生物的空间距离，被画物体之间的空间距离，被画物本身前后的空间距离，被画主体与背景的空间距离。。。。在素描中，利用物体的透视变化产生距离感，表现空间的技法，其中最基本的方法是透视原理的运用。 几何透视法 几何透视法产成与数学原理，是把几何透视运用到绘画艺术表现之中，是科学与艺术相结合的技法。它主要借助于远大近小的透视现象表现物体的立体感。 平行透视当立方体的六个面中，有一个面与画者的位置呈平行状态时，画者所看到的是它面产生的透视变化。 平行透视 成角透视当立方体的一个角正对画者时，立方体所有的面都产生透视变化 成角透视 几何透视法包括三个要素：视平线，一般是指画者平视时与眼睛高度平行的假设线。视平线决定被画物的透视斜度，被画物高于视平线时，透视线向下斜，被画物低于视平线时，透视线向上斜。心点，是指视觉中心。它位于画者的核心部位。在平行透视中，一切透视线引向心点。距点，视点至心点的距离叫距点，如果把视距移至视平线上心点的两侧，所得的点为距点。 空气透视法 空气透视法是借助空气对视觉产生的阻隔作用，表现绘画中空间感的方法。它主要借助于近实远虚的透视现象表现物体的空间感。其特点是产生形的虚实变化，色调的深浅变化，形的平面变化，形的繁简变化。 7、明暗与调子 物体的形象在光的照射下，产生了明暗变化。光源一般有自然光、阳光、灯光（人造光）。由于光的照射角度不同，光源与物体的距离不同，物体的质地不同，物体面的倾斜方向不同，光源的性质不同，物体与画者的距离不同等，都将产生明暗色调的不同感觉。在学习素描中，掌握物体明暗调子的基本规律是非常重要的，物体明暗调子的规律可归纳为“三面五调” A ：三面物体在受光的照射后，呈现出不同的明暗，受光的一面叫亮面，侧受光的一面叫灰面，背光的一面叫暗面。这就是三面。 B ：五调调子是指画面不同明度的黑白层次。是体面所反映光的数量，也就是面的深浅程度。对调子的层次要善于归纳和概括，不同的素描调子体现的不同的个性、风格、爱好和观念。在三大面中，根据受光的强弱不同，还有很多明显的区别，形成了五个调子。除了亮面的亮调子，灰面的灰调和暗面的暗调之外，暗面由于环境的影响又出现了“反光”。另外在灰面与暗面的交界的地方，它既不受光源的照射，又不受反光的影响，因此挤出了一条最暗的面，叫“明暗交界”。这就是我们常说的“五大调子”。当然实际画起来，不仅仅是这五的调子，还要更丰富。但在初学时，我们起码要把这五种调子把握好。在画面中树立调子的整体感，即画面黑、白、灰的关系，运用好这几大调子来统一画面，表现画面的整体效果
蓝晶灵儿
美术素描基础知识一.何谓素描：1.素描(DRAWING)、速写(SKETCH)、素描(DESSEIN)。2.由木炭，铅笔，钢笔等，以线条来画出物象明暗的单色画，称做素描。素描是一切绘画的基础，这是研究的过程中所必须经过的一个阶段。(艺术家杂志，论素描--萧如松)3.素描通常意味着可于平面留下痕迹的方法，如蜡笔，炭笔，钢笔，画笔，墨水，及纸张，其他还包括在湿濡的陶土，沾了墨水的布条，金属，石器，容器或布的表面所造成的磨损。(艺术视觉百科全书)4.轮廓和线条是素描的一般称谓。素描具备了自然律动感，观者从欣赏过程中可感受这一点。不同的笔触营造出不同的线条及横切关系，并包括节奏，主动与被动的周围环境，平面，体积，色调，及质感。5.素描是一种正式的艺术创作，以单色线条来表现直观世界中的事物，亦可以表达思想、概念、态度、感情、幻想、象征甚至抽象形式。它不像绘画那样重视总体和彩色，而是着重结构和形式。(大不列颠百科全书)6.在西洋美术辞典(雄狮图书公司出版)这本书中，与素描相关的解释，只有速写一项，文中认为作品或作品部份的粗略草图，是艺术家针对光影、构图和全幅之规模等要点所作的研究和探讨；它是全幅画的初步构图或其中之一。一幅出自风景画家的速写素描通常是一幅小而快的记录，用来表现风景的光线效果，同时也是为了将来重新作画时的构想作准备。二.素描的地位：1.素描为一门独立的艺术，具有独立的地位和价值。2.素描是其他艺术的必然基础，尤其是水彩，油画，版画，雕刻(浮雕)，另外对平面设计，也是画草图的必要基础。素描虽然被视为是两度空间的艺术，不需要颜色及第三度空间，却也同时暗示这两者。3.素描是画家工作的最后成果，也可以作为复制或摹写的基础，但以它的性质而言，它是独特的。虽然各种艺术不一定都要先绘出素描稿，但素描却是一切观赏艺术的基础。在作画时往往预先勾出轮廓作为草稿，然后用色彩渲染，当艺术作品完成时，素描稿常被掩没或销毁。因此，素描只是一种技术准备。到14世纪末，素描不再仅是附属品，而成为一门独立的艺术。它有着广泛的表现范畴：能表现体积、空间、深度、实质和动作。文艺复兴以后，素描已不仅只有实用地位，而是成为能代表人类创作能力的艺术品。三.素描的技法和种类：1.线和线条技法，素描的要素是线，但是线在实质上却是不存在的，它只代表物体、颜色和平面的边界，用来作为物体的幻觉表现。直到近代，线才被人们认为是形式的自发要素，并且独立于被描绘的物体之外。2.素描是用线条来组成物体的形象，并且描绘于平面之上，藉由线条形式引起观者的联想。例如两条线相交所构成的角形，可以被认为是某平面的边界；另外加上第三条线可以在画面上造成立体感。弧形的线条可以象征拱顶，交会聚集的线条可表现深度。人们可以从线条的变化当中，得到可以领会的形象。因此透过线条的手段，单纯的轮廓勾勒可以发展成精致的素描。3.在素描中可以用线条区分立体与平面，至于色彩明暗是为了加强和厘清整体与部分的关系。我们可以运用线条的开始，消失和中断来画出边界，并且形成平面，也可使色彩至边界而上。线条的粗细能表现物体的变化，甚至光和影也可用线条的笔触变化表现出来。4.素描的线条技法还需要平面技法的辅助。平面技法在使用炭粉笔时，在明暗对照上可用擦笔法。而更重要的是使用毛笔画法，因为毛笔能发挥笔触的宽度和笔调的强度并且能增加空间感和立体感。素描也可用多色画笔作为基本材料，用来加强素描效果以及素描的艺术性。四.素描工具：1.素描的工具种类很多，如石笔、炭笔、铁笔、粉笔、毛笔、铅笔和钢笔等；也有用钻子和金钢石作画的。工具的不同关系着素描的性质和构图，工具也能影响画家的情绪和技巧。2.工具的选用取决于画家所想要达到的艺术效果。一般认为，干笔适宜作清晰的线条，水笔宜于表现平面；精美的笔触可用毛笔挥洒，而广阔的田野则可用铅笔或粉笔去勾勒。炭笔是两者都可兼用的。3.以作品尺寸而言，大幅素描作品适宜用木炭来画，对于轮廓、照应等可经长久的时间细细研究、分析。至于铅笔适合较小尺寸，很少大张的铅笔画，而钢笔画则更小了，往往在插画上用得较多。五.素描题材：1.素描原是为绘画、雕刻等艺术服务的，后因其流畅、充实和美观，发展成为独立的艺术。其题材可以取自任何事物，不受拘束，一般以肖像和风景为主，而西方的素描常是人物和静物，到了19世纪又出现以日常生活为题材的素描。其他还有想象和抽象素描、艺术性建筑素描等。2.至于20世纪的素描似乎是反映不安、动荡和科学进步的。其中一些以表现线条豪放为特色。还有一些画家试图把生活纳入几何图形中(立体派)。3.在20世纪各流派中也有X射线式的技法，即同时看到外部和内部。表现主义画家追求『表现一个场面的感情而不是描绘事物的现实外表』，超现实主义者则着重表现潜意识心理。4.除以上所列举各种形式的素描之外，还有实用性和技术性素描。实用素描要清晰地记载一件客观事物，从总体上说，它不重审美，而突出技术设计。实用素描包括为科学目的而作的插图与说明。很多艺术家作过科学说明的素描。5.文学作品中的素描插图，一般是为某段文字描写而作的图画说明，但因它表现了画家特有笔法风格，至今还享有崇高的艺术声誉。与此相关的还有漫画，这是用于社会批评而创作的一种假定性图画。并由此而发展成连环图画，进而演变成现代卡通动画片。六.素描线条的演变：1.线条的解放：(安格尔对绘画线条的革新)(1).在古典主义法则笼罩之下，线条本身除了被用作『完美比例』的度量外，它的功能是被抑制的。(2).安格尔最大的贡献便是打破将线条仅限于对物象比例描绘的限制，而拓展到图案花纹的形式。(3).对安格尔而言，人体的比例并不求自『自然』或实证的实现，他运用曲线在画面上探求人体之比例位置与姿势。这种直接运用线条在画面的处理，强调画面的平面性，使事物本身之重要性，附属于形式要求之下。(4).讲求结构与形式，而不惜更改事物原有比例以配合整体视觉完整，同时并介入了图案花纹式之构图。2.强调线条本身意义与表达的特质。3.线条的运作成为个人内在律动与情感的抒发：(1).一个线条在画面的行进的痕迹，乃接受自创作者内在自发性律动的影响。(2).德拉克洛瓦将个人感情强烈投射在线之运用，不只将线条的功能远脱离古典传统，并将素描积极推向绘画，使绘画上明显笔触的物质性增强，奠定现代绘画发展的基础。七.东方的素描：1.西方人认为，纯素描在远东极负盛名，多数的中国及日本艺术家都只作所谓的毛笔素描，他们不采用不透明的颜料，而以直接的笔触造成整体。在波斯--瑞札，阿巴西(RIZAABBASI，1565年)也同样不用颜色而以书法线条来表现创作，把其思路幻想透过笔和刷子表现出来。2.我国的山水，兰竹，花鸟，水墨画，实在完全是一种素描，自由潇洒素雅的感觉。虽然寥寥几笔，可是这里面也含着与油画同样的条件。也要有气韵，有强弱，有力量。3.中国早在公元前二世纪就已出现了素描，到汉朝末年，以线描为其特色的壁画已有很多，北魏和唐朝以后，中国素描画即相当普遍地出现在绢、纸和册页上。八.艺术家对素描的态度：不少艺术家曾临摹其他艺术家的素描，如鲁本斯(RUBENS；公元1577~1640年)、林布兰特(REM．BRANDT；公元1609~1669年)及梵谷(VANGOGH；公元1853~1890年)。临摹者藉素描以学习人师的风格及语汇，以便再创高峰。这是学习素描极重要的一步，也是准备作画的不二法门。以下是艺术家对素描的态度：1.一种特殊风格：窦加(DEGAS)，罗特列克(LAUTREC)，梵谷(VANGOGH)2.兴趣：林布兰(REM．BRANDT)，哥雅(GOYA)3.复制用：杜米埃(DAUMIER)，季斯(GUYS)4.为鉴赏家而作：卡拉齐(CARACCI)兄弟，保罗.布利尔(PAULBRIL)，拉法吉(LAFAGE)5.用素描作馈赠：米开朗基罗(附录一)九.常用的素描用语：1.明度：色相明亮或沈暗的程度。2.比例：一部份跟另一部份或整体在量或尺寸方面的关系。3.构图：各部份的一种配置法，依照经过设计的格式，一致的比例，或重复的体系去安排。4.轮廓线：描述前进或后退的形状之变化方面的一条断续线或连续线。5.平衡：在设计或绘画里，各项元素达到均衡的状态。6.线影：平行或靠近得足以形成一个面的断续线。7.立体表现法：控制明暗的逐渐变化以创造实体形式的错觉效果，使物体有三度空间的特质。十.认识素描中的明暗1.何谓明暗：(任学生自由联想发挥，唤起旧经验)2.明暗产生的原因：有光源(不论是自然光源、人工光源)照射，才会产生明暗；没有光，我们的眼睛将看不到任何东西。3.明暗的基本法则：(1).光源直射处(向光)是明亮部。(2).光源照射不到之处(背光)是黑暗部。(3).反射光所形成的是中间灰色部分。4.利用铅笔表现明暗的方法：(1).铅笔直立地以尖端来画时，画出来的线较明了而坚实；铅笔斜侧起来以尖端的腹部来画时，笔触及线条都比较模糊而柔弱。(2).笔触的方向要整理才不致混乱。5.铅笔画使用橡皮擦注意事项：(1).初学时往往总觉得画一笔不满意时，就马上用橡皮擦去了，第二次画得不对时又再擦去，这是最不好的习惯。一则容易伤害画纸使纸张留下疤痕，再则画时就越画越无把握了，所以应极力避免。(2).当第一笔画不对时，尽可再画上第二笔，如此画时就有一个标准，容易改正，等浓淡明暗一切都画好之后，再把不用之处的铅笔线，用橡皮轻轻擦去，这样整幅画面就清楚可爱多了。(3).其实画面上许多无用的线痕，通常到最后都会被暗的部份遮没了,我们只需把露出的部份擦去，这样也较为省力。同时不用的线痕，往往无形中成为主体的衬托物，所以不但不擦去无害于画面，有时反而收到无形的效果，这是我们不可不注意的地方。6.画面宾主表现:(1).前面的,较近的东西,都应表现得强烈而明确；后面的,较远的东西,都应表现得柔弱而模糊。(2).主体应表现得明确显著,从属的客物则应以衬托主物为目的。
我是小鱼儿呀
1：什么是素描( DRAWING )( DESSEIN ) 由木炭，铅笔，钢笔等，以线条来画出物象明暗的单色画，称做素描。单色水彩和单色油画也可以算作素描；中国传统的白描和水墨画也可以称之为素描。通常讲的素描多元化指铅笔画和炭笔画。素描是一切绘画的基础，这是研究绘画艺术所必须经过的一个阶段。 素描通常采用可于平面留下痕迹的方法：如蜡笔，炭笔，钢笔，画笔，墨水，及纸张等，其它还包括在湿濡的陶土，沾了墨水的布条，金属，石器，容器或布的表面所造成的磨损。 轮廓和线条是素描的一般称谓。素描具备了自然律动感。不同的笔触营造出不同的线条及横切关系和节奏、主动与被动的周围环境、平面、体积、色调、及质感。 素描是一种正式的艺术创作，以单色线条来表现直观世界中的事物，亦可以表达思想、概念、态度、感情、幻想、象征甚至抽象形式。它不像带色彩的绘画那样重视总体和彩色，而是着重结构和形式。 2：素描的工具 素描的工具种类很多，如石笔、炭笔、铁笔、粉笔、毛笔、铅笔和钢笔等；也有用钻子和金钢石作画的。工具的不同关系着素描的性质和构图，工具也能影响画家的情绪和技巧。工具的选用取决于画家所想要达到的艺术效果。一般认为，干笔适宜作清晰的线条，水笔宜于表现平面；精美的笔触可用毛笔挥洒，而广阔的田野则可用铅笔或粉笔去勾勒。炭笔是两者都可兼用的。以作品尺寸而言，大幅素描作品适宜用木炭来画，对于轮廓、照应等可经长久的时间细细研究、分析。至于铅笔适合较小尺寸，很少大张的铅笔画，而钢笔画则更小了，往往在插画上用得较多。素描的单色表达使工具变得十分随意，而且常常可以综合使用几种工具造成多种画面效果，所以是一个极广阔的天地。 （1）铅笔 铅笔是最简单而方便的工具，初学者素描常从铅笔开始，主要原因是铅笔在用线造型中可以十分精确而肯定，能较随意地修改，又能较为深入细致地刻划细部，有得于严谨的形体要求和深入反复地研究。同时铅笔的种类较多，有硬有软，有深有浅，比较俱全，可以画出较多的调子，铅笔的色泽又便于表现调子中的许多银灰色层次，对于石膏等基础训练作业效果较好，初学者比较容易把握，因此，较适合于基础训练开始时应用。现有的国产铅笔分两种类型，以HB为中界线，向软性与深色变化是B至6B，为了更适应绘画需要又有了7B-8B，我们称为绘画铅笔。HB向硬性发展有H至6H，大多数用于精密的设计等专业使用。由于种类较多，因此，铅笔能很好地表现出层次丰富的明暗调子。 （2）炭笔： 炭笔以不脆不硬为度，炭条以烧透、松软笔黑色为佳，炭精棒以软而无砂称上品。 （3）钢笔： 包括一切自来水型硬质笔尖的笔。使用日常书写的钢笔绘画也可以，一般都作一点加工，将钢笔尖用小钳子往里弯30度左右，令其正写纤细流利，反写粗细控制自如。 （4）纸： 洁白、厚净、有纸纹的纸。铅笔画纸不宜纸纹太粗，炭笔画纸表面不能太光滑，而钢笔画纸纸却要较光滑的纸面，还要有一定的吸水性。 （5）画板： 以光滑无缝的夹板为最好。如果站着面画，还要备一个画架。 （6）橡皮： 以平、软的方形橡皮为好。 （7）削笔刀、图钉、擦布等工具备用。 3：素描的题材 （1）：以肖像和风景为主 素描原是为绘画、雕刻等艺术服务的，后因其流畅、充实和美观，发展成为独立的艺术。其题材可以取自任何事物，不受拘束，一般以肖像和风景为主，而西方的素描常是人物和静物。 （2）：日常生活、抽象素描、艺术性建筑素描 19世纪出现了以日常生活为题材的素描。其它还有想象和抽象素描、艺术性建筑素描等。 （3）：立体派、表现主义、超现实主义素描 20世纪的素描似乎是反映不安、动荡和科学进步的。其中一些以表现线条豪放为特色。还有一些画家试图把生活纳入几何图形中 (立体派)。 在20世纪各流派中也有X射线式的技法，即同时看到外部和内部。表现主义画家追求"表现一个场面的感情而不是描绘事物的现实外表"，超现实主义者则着重表现潜意识心理。 （4）：实用性和技术性素描 实用素描要清晰地记载一件客观事物，从总体上说，它不重审美，而突出技术设计。实用素描包括为科学目的而作的插图与说明。很多艺术家作过科学说明的素描。文学作品中的素描插图，一般是为某段文字描写而作的图画说明，但因它表现了画家特有笔法风格，至今还享有崇高的艺术声誉。与此相关的还有漫画，这是用于社会批评而创作的一种假定性图画。并由此而发展成连环图画，进而演变成现代卡通动画片。 4：素描的技法和种类 （1）线和线条技法 素描的要素是线，但是线在实质上却是不存在的，它只代表物体、颜色和平面的边界，用来作为物体的幻觉表现。直到近代，线才被人们认为是形式的自发要素，并且独立于被描绘的物体之外。 （2）用线条来组成物体的形象 素描是用线条来组成物体的形象，并且描绘于平面之上，藉由线条形式引起观者的联想。例如两条线相交所构成的角形，可以被认为是某平面的边界；另外加上第三条线可以在画面上造成立体感。弧形的线条可以象征拱顶，交会聚集的线条可表现深度。人们可以从线条的变化当中，得到可以领会的形象。因此透过线条的手段，单纯的轮廓勾勒可以发展成精致的素描。 （3）用线条区分立体与平面 在素描中可以用线条区分立体与平面，至于色彩明暗是为了加强和分清整体与部分的关系。我们可以运用线条的开始，消失和中断来画出边界，并且形成平面，也可使色彩至边界而上。线条的粗细能表现物体的变化，甚至光和影也可用线条的笔触变化表现出来。 （4）平面技法的辅助 素描的线条技法还需要平面技法的辅助。平面技法在使用炭粉笔时，在明暗对照上可用擦笔法。 （5）毛笔画法的使用 更重要的是使用毛笔画法，因为毛笔能发挥笔触的宽度和笔调的强度并且能增加空间感和立体感。 （6）艺术性的加强 素描也可用多色画笔作为基本材料，用来加强素描效果以及素描的艺术性。 5：认识素描中的明暗 （1）：明暗产生的原因：有光源(不论是自然光源、人工光源)照射，就有了明暗之说； （2）：明暗的基本法则： 光源直射处(向光)是明亮部。.光源照射不到之处(背光)是黑暗部。反射光所形成的是中间灰色部分。 6：利用铅笔表现明暗的方法： (1).铅笔直立地以尖端来画时，画出来的线较明了而坚实；铅笔斜侧起来以尖端的腹部来画时，笔触及线条都比较模糊而柔弱。 (2).笔触的方向要整理才不致混乱。 7：铅笔画使用橡皮擦注意事项： (1).初学时往往总觉得画一笔不满意时，就马上用橡皮擦去了，第二次画得不对时又再擦去，这是最不好的习惯。一则容易伤害画纸使纸张留下疤痕，再则画时就越画越无把握了，所以应极力避免。 (2).当第一笔画不对时，尽可再画上第二笔，如此画时就有一个标准，容易改正，等浓淡明暗一切都画好之后，再把不用之处的铅笔线，用橡皮轻轻擦去，这样整幅画面就清楚可爱多了。 (3).其实画面上许多无用的线痕，通常到最后都会被暗的部份遮没了，我们只需把露出的部份擦去，这样也较为省力。同时不用的线痕，往往无形中成为主体的衬托物，所以不但不擦去无害于画面，有时反而收到无形的效果，这是我们不可不注意的地方。8：画面宾主表现: (1).前面的,较近的东西,都应表现得强烈而明确；后面的,较远的东西,都应表现得柔弱而模糊。 (2).主体应表现得明确显著,从属的客物则应以衬托主物为目的。 9：素描造型能力的标准 素描作画的一般要求是： （1） 比例结构准确。 （2） 形象表现概括而具体，防止概念化，程式化。 （3） 用线生动富于表现力。有以下的三个个方面： A：写生能力这是基本的能力它包括了临摹的能力也是素描训练的主要途径。 B：默写的能力，这是形象记忆的能力体现。 C：创作形象能力，除了有坚实的造型能力基础还要有丰富的联想能力，从而达到造型艺术的较高境界。 10：学习素描 素描被看作是进入美术大门的必经之路，因为这一训练所涉及的范围几乎囊括了艺术的全部基础领域。素描画表现物体有空间、形体、体积、结构、光影等内容。素描训练的第一步往往是从静物写生人手，通过这一训练可以使我们对周围现实中一切形体的多样性有所了解。 素描正常的教学往往从几何石膏形体人手，因为几何体的构成万物复杂形体的基本元素。石膏像的写生训练是重多艺术院校的必修课，因为它所具有的色调单一，静止不动的特点便于学生更好地从 观察研究形体。石膏像的写生使学生有可能因他们在画人物模特时所不能达到的那种精确性来研究形体。石膏几何体的写生的掌握是对其他复杂形体规律表现的前提条件。石膏像不仅在研究比例，关系上帮助学生更好地容易地处理活的模特而且由于石膏像中体现出的是概括的形体。石膏像是经过艺术家的提炼之后的艺术形象，使学生在完成作业的同时也自觉地呼吸到艺术气息是对学生审美意识的潜移默化的提高。 完成了石膏像的练习自然地 就进入到人像练习，人像相对石膏像更为的丰富，因为人是有生命的。从视觉上，当我们在某一角度观察形体时该形体的外缘由于透视的原因，缩减而成为较细的边缘线这是轮廓线。 参考资料：
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