社会工作者的画法素描

素描的基础知识

素描的操作定义：使用相对单一的色彩，借助明度变化来表现对象的绘画方式。素描的绘画工具多种多样，并不局限于某一工具。速写是一种相对快速的素描形式。素描水平是反映绘画者绘画基础水平和基本造型能力的重要指标之一。下面是我整理的素描的基础知识，欢迎大家分享。

一、何谓素描：

1.素描( DRAWING )、 速写( SKETCH )、素描( DESSEIN )。

2.由木炭，铅笔， 钢笔等，以线条来画出物象明暗的单色画，称做素描。素描是一切绘画的基础，这是研究的过程中所必须经过的一个阶段。(艺术家杂志，论素描--萧如松)

3.素描通常意味着可于平面留下痕迹的方法，如蜡笔，炭笔，钢笔，画笔，墨水，及纸张，其它还包括在湿濡的陶土，沾了墨水的布条，金属，石器，容器或布的表面所造成的磨损。(艺术视觉百科全书)

4.轮廓和线条是素描的一般称谓。素描具备了自然律动感，观者从欣赏过程中可感受这一点。不同的笔触营造出不同的线条及横切关系，并包括节奏，主动与被动的周围环境，平面，体积，色调，及质感。

5.素描是一种正式的艺术创作，以单色线条来 表现直观世界中的事物，亦可以表达 思想、概念、态度、感情、幻想、象征甚至抽象形式。它不像绘画那样重视总体和彩色，而是着重结构和形式。(大不列颠百科全书)

6.在西洋美术辞典(雄狮图书公司出版)这本书中，与素描相关的解释，只有速写一项，文中认为作品或作品部份的粗略草图，是艺术家针对光影、构图和全幅之规模等要点所作的研究和探讨;它是全幅画的初步构图或其中之一。一幅出自风景画家的速写素描通常是一幅小而快的记录，用来表现风景的光线效果，同时也是为了将来重新作画时的构想作准备。

二、素描的地位：

1.素描为一门独立的艺术，具有独立的地位和价值。

2.素描是其它艺术的必然基础，尤其是水彩，油画，版画，雕刻(浮雕)，另外对平面设计，也是画草图的必要基础。素描虽然被视为是两度空间的艺术，不需要颜色及第三度空间，却也同时暗示这两者。

3.素描是画家工作的最后成果，也可以作为复制或摹写的基础，但以它的性质而言，它是独特的。虽然各种艺术不一定都要先绘出素描稿，但素描却是一切观赏艺术的基础。在作画时往往预先勾出轮廓作为草稿，然后用色彩渲染，当艺术作品完成时，素描稿常被掩没或销毁。因此，素描只是一种技术准备。到14 世纪末，素描不再仅是附属品，而成为一门独立的艺术。它有着广泛的表现范畴：能表现体积、空间、深度、实质和动作。文艺复兴以后，素描已不仅只有实用地位，而是成为能代表人类创作能力的艺术品。

三.素描的技法和种类：

1.线和线条技法，素描的要素是线，但是线在实质上却是不存在的，它只代表物体、颜色和平面的边界，用来作为物体的幻觉表现。直到近代，线才被人们认为是形式的自发要素，并且独立于被描绘的物体之外。

2.素描是用线条来组成物体的形象，并且描绘于平面之上，藉由线条形式引起观者的联想。例如两条线相交所构成的角形，可以被认为是某平面的边界;另外加上第三条线可以在画面上造成立体感。弧形的线条可以象征拱顶，交会聚集的线条可表现深度。人们可以从线条的变化当中，得到可以领会的形象。因此透过线条的'手段，单纯的轮廓勾勒可以发展成精致的素描。

3.在素描中可以用线条区分立体与平面，至于色彩明暗是为了加强和厘清整体与部分的关系。我们可以运用线条的开始，消失和中断来画出边界，并且形成平面，也可使色彩至边界而上。线条的粗细能表现物体的变化，甚至光和影也可用线条的笔触变化表现出来。

4.素描的线条技法还需要平面技法的辅助。平面技法在使用炭粉笔时，在明暗对照上可用擦笔法。而更重要的是使用毛笔画法，因为毛笔能发挥笔触的宽度和笔调的强度并且能增加空间感和立体感。素描也可用多色画笔作为基本材料，用来加强素描效果以及素描的艺术性。

四.素描工具：

1.素描的工具种类很多，如石笔、炭笔、铁笔、粉笔、毛笔、铅笔和钢笔等;也有用钻子和金钢石作画的。工具的不同关系着素描的性质和构图，工具也能影响画家的情绪和技巧。

2.工具的选用取决于画家所想要达到的艺术效果。一般认为，干笔适宜作清晰的线条，水笔宜于表现平面;精美的笔触可用毛笔挥洒，而广阔的田野则可用铅笔或粉笔去勾勒。炭笔是两者都可兼用的。

3.以作品尺寸而言，大幅素描作品适宜用木炭来画，对于轮廓、照应等可经长久的时间细细研究、分析。至于铅笔适合较小尺寸，很少大张的铅笔画，而钢笔画则更小了，往往在插画上用得较多。

五.素描题材：

1.素描原是为绘画、雕刻等艺术服务的，后因其流畅、充实和美观，发展成为独立的艺术。其题材可以取自任何事物，不受拘束，一般以肖像和风景为主，而西方的素描常是人物和静物，到了19世纪又出现以日常生活为题材的素描。其它还有想象和抽象素描、艺术性建筑素描等。

2.至于20世纪的素描似乎是反映不安、动荡和科学进步的。其中一些以表现线条豪放为特色。还有一些画家试图把生活纳入几何图形中 (立体派)。

3.在20世纪各流派中也有X射线式的技法，即同时看到外部和内部。表现主义画家追求『表现一个场面的感情而不是描绘事物的现实外表』，超现实主义者则着重表现潜意识心理。

4.除以上所列举各种形式的素描之外，还有实用性和技术性素描。实用素描要清晰地记载一件客观事物，从总体上说，它不重审美，而突出技术设计。实用素描包括为科学目的而作的插图与说明。很多艺术家作过科学说明的素描。

5.文学作品中的素描插图，一般是为某段文字描写而作的图画说明，但因它表现了画家特有笔法风格，至今还享有崇高的艺术声誉。与此相关的还有漫画，这是用于社会批评而创作的一种假定性图画。并由此而发展成连环图画，进而演变成现代卡通动画片。

六.素描线条的演变：

1.线条的解放：(安格尔对绘画线条的革新)

(1).在古典主义法则笼罩之下，线条本身除了被用作『完美比例』的度量外，它的功能是被抑制的。

(2).安格尔最大的贡献便是打破将线条仅限于对物象比例描绘的限制，而拓展到图案花纹的形式。

(3).对安格尔而言，人体的比例并不求自『自然』或实证的实现，他运用曲线在画面上探求人体之比例位置与姿势。这种直接运用线条在画面的处理，强调画面的平面性，使事物本身之重要性，附属于形式要求之下。

(4).讲求结构与形式，而不惜更改事物原有比例以配合整体视觉完整，同时并介入了图案花纹式之构图。

2.强调线条本身意义与表达的特质。

3.线条的运作成为个人内在律动与情感的抒发：

(1).一个线条在画面的行进的痕迹，乃接受自创作者内在自发性律动的影响。

(2).德拉克洛瓦将个人感情强烈投射在线之运用，不只将线条的功能远脱离古典传统，并将素描积极推向绘画，使绘画上明显笔触的物质性增强，奠定现代绘画发展的基础。

七.东方的素描：

1.西方人认为，纯素描在远东极负盛名，多数的中国及日本艺术家都只作所谓的毛笔素描，他们不采用不透明的颜料，而以直接的笔触造成整体。在波斯--瑞札，阿巴西( RIZA ABBASI，1565年)也同样不用颜色而以书法线条来表现创作，把其思路幻想透过笔和刷子表现出来。

2.我国的山水，兰竹，花鸟，水墨画，实在完全是一种素描，自由潇洒素雅的感觉。虽然寥寥几笔，可是这里面也含着与油画同样的条件。也要有气韵，有强弱，有力量。

3.中国早在公元前二世纪就已出现了素描，到汉朝末年，以线描为其特色的壁画已有很多，北魏和唐朝以后，中国素描画即相当普遍地出现在绢、纸和册页上。

八. 艺术家对素描的态度：

不少艺术家曾临摹其它艺术家的素描，如鲁本斯 (RUBENS;公元1577~1640年)、林布兰特 (;公元1609~1669年)及梵谷 (VAN GOGH;公元1853~1890年)。临摹者藉素描以学习人师的风格及语汇，以便再创高峰。这是学习素描极重要的一步，也是准备作画的不二法门。以下是艺术家对素描的态度：

1.一种特殊风格：窦加(DEGAS)，罗特列克(LAUTREC)，梵谷(VAN GOGH)

2.兴趣：林布兰()，哥雅(GOYA)

3.复制用：杜米埃(DAUMIER)，季斯(GUYS)

4.为鉴赏家而作：卡拉齐(CARACCI)兄弟，保罗.布利尔(PAUL BRIL)，拉法吉(LAFAGE)

5.用素描作馈赠：米开朗基罗

九.常用的素描用语：

1.明度：色相明亮或沉暗的程度。

2.比例：一部份跟另一部份或整体在量或尺寸方面的关系。

3.构图：各部份的一种配置法，依照经过设计的格式，一致的比例，或重复的体系去安排。

4.轮廓线：描述前进或后退的形状之变化方面的一条断续线或连续线。

5.平衡：在设计或绘画里，各项元素达到均衡的状态。

6.线影：平行或靠近得足以形成一个面的断续线。

7.立体表现法：控制明暗的逐渐变化以创造实体形式的错觉效果，使物体有三度空间的特质。

十.教学时的观念引导：

认识素描中的明暗

1.何谓明暗：(任学生自由联想发挥，唤起旧经验)

2.明暗产生的原因： 有光源(不论是自然光源、人工光源)照射，才会产生明暗; 没有光，我们的眼睛将看不到任何东西。

3.明暗的基本法则：

(1).光源直射处(向光)是明亮部。

(2).光源照射不到之处(背光)是黑暗部。

(3).反射光所形成的是中间灰色部分。

4.利用铅笔表现明暗的方法：

(1).铅笔直立地以尖端来画时，画出来的线较明了而坚实;铅笔斜侧起来以尖端的腹部来画时，笔触及线条都比较模糊而柔弱。

(2).笔触的方向要整理才不致混乱。

5.铅笔画使用橡皮擦注意事项：

(1).初学时往往总觉得画一笔不满意时，就马上用橡皮擦去了，第二次画得不对时又再擦去，这是最不好的习惯。一则容易伤害画纸使纸张留下疤痕，再则画时就越画越无把握了，所以应极力避免。

(2).当第一笔画不对时，尽可再画上第二笔，如此画时就有一个标准，容易改正，等浓淡明暗一切都画好之后，再把不用之处的铅笔线，用橡皮轻轻擦去，这样整幅画面就清楚可爱多了。

(3).其实画面上许多无用的线痕，通常到最后都会被暗的部份遮没了，我们只需把露出的部份擦去，这样也较为省力。同时不用的线痕，往往无形中成为主体的衬托物，所以不但不擦去无害于画面，有时反而收到无形的效果，这是我们不可不注意的地方。

6.画面宾主表现:

(1).前面的,较近的东西,都应表现得强烈而明确;后面的,较远的东西,都应表现得柔弱而模糊。

(2).主体应表现得明确显著,从属的客物则应以衬托主物为目的。

基本步骤：

1.定位（物体大概的位置）

2.透视（物体看不到的或者看得到的结构）

3.找光源（光从那里照射）

4.利用透视找出投影（自己理解一下..）

5.找出暗面 灰面 光面（暗面：最黑的面 灰面：较黑的面 光面：被光源照射的面）

6.用排线大概画出投影和暗面（没得解释..）

7.加深投影和暗面的最深处 调整明暗（没得解释...）

8.画灰面（用排线画）

9.画背景（注：是利用光影来衬托物体 而不是用线来画出物体）（用排线）

10.用纸巾把画面搽灰（没得解释...）

11.找出最光面 比较各个光面与光面之间的亮度（没得解释..）

12.用铅笔和橡皮来调整光面（用排线...）

最后处理画面不完善的地方 画出细节（没得解释...）这个就是排线的方法

素描基础知识

由木炭，铅笔，钢笔等，以线条来画出物象明暗的单色画，称做素描。单色水彩和单色油画也可以算作素描；中国传统的白描和水墨画也可以称之为素描。通常讲的素描多元化指铅笔画和炭笔画。素描是一切绘画的基础，这是研究绘画艺术所必须经过的一个阶段。.素描通常采用可于平面留下痕迹的方法：如蜡笔，炭笔，钢笔，画笔，墨水，及纸张等，其它还包括在湿濡的陶土，沾了墨水的布条，金属，石器，容器或布的表面所造成的磨损。

轮廓和线条是素描的一般称谓。素描具备了自然律动感。不同的笔触营造出不同的线条及横切关系和节奏、主动与被动的周围环境、平面、体积、色调、及质感。

素描是一种正式的艺术创作，以单色线条来表现直观世界中的事物，亦可以表达思想、概念、态度、感情、幻想、象征甚至抽象形式。它不像带色彩的绘画那样重视总体和彩色，而是着重结构和形式。

先观察对象的气质和特征、用铅笔起形、抓准人物的透视结构，再根据面部肌肉的走向排线上明暗调子，注意把握画面的黑白灰关系，揉擦画面线条，进行人物五官的深入刻画以及画面整体塑造，最后就是调整人物头像细节。

第一步的定型很关键。可轻轻的勾勒出人头的外形，确定头顶下巴的位置，再根据模特的特征，找出三庭五眼的位置。一、北京画室对头形有了规划之后，就可以对面部五官进行表现了。但是要注意运用一些辅助线来找准具体的位置，平行性、垂直线对画面来说都很关键。找准五官之后根据光的大体变化，把主要的明暗交界线找出来，不要画的太重，还是要以五官为主，注意明暗、主次的关系。二、面部的体积关系表现很重要，面部由光线所产生的明暗要表现而出，但是要遵循符合结构的位置准确，对于主要的部位要做到肯定，并加对比。这一步还是以整体的找形，找体积结构为主，不要急着画出细微的明暗关系。三、因为有了头部结构的支撑，我们就可以进行调子的处理了，首先根据光的变化与之前所找的明暗交界线进行大面积的铺色调。快速区分开明暗，明暗交界线到暗部的调子不要画的太死板，要通透一些，尤其是画一些年轻女性更要注意这种细微的变化。这一步就能表现出面部轻重、虚实、主次的关系，大的空间会很突出。四、进入到对细节刻画的阶段，在暗部统一的色调下，着重对亮部进行刻画，尽量把画面的层次突显，不要让画面灰、闷。加强黑白灰的色调协调关系。在这一步可以把头发与衣领等部分进行一个表现，但注意它们是次要部分，不要画过头，要虚一些。

素描还要讲画法吗，为什么要钻研素描的画法呢。。。据我所知，素描仅是一种训练形式，涵指一切单色的绘画，起源于西洋造型能力的培养。狭义上的素描，专指用于学习美术技巧、探索造型规律、培养专业习惯的绘画训练过程。建议lz不要走偏了哟。。。我学习绘画那么多年，没有哪个老师讲过素描的画法有哪几种的。。。

头部的重要还表现在它的各种感官功能，视觉、听觉、味觉和嗅觉，头部还是大脑的所在，它控制人体的所有自主活动。

虽然根据所有的脸都有许多共同点，但我们还是很容易把它们进行归类：较宽的、较瘦的、圆的、扁的、强壮的、虚弱的以及丑的和美的。头部是几乎所有人物肖像画的注意焦点，通过脸部表情，观众很容易与画中人物进行交流，脸部表情是画的主题，也是和观众进行交流的桥梁。

眼睛是脸部最富表现力的部分，如果眼睛闭上或被遮住，那么，脸部最生动的表情就消失了。眼睛有时比语言更生动地表达我们的情感和情绪，即使一个人不想告诉我们他的真实情感。我们也能从他的眼睛里读到许多东西。眼睛会真实地流露一个人内心深处的情感，爱、恨、喜悦、藐视和骄傲，事实上，眼睛能传递所有的人类情感。

眉毛位置的微妙变化，有助于更生动地补充眼睛的表现力，鼻子除了鼻孔和鼻翼能稍微活动一下之外+基本上是静止的，但它能成功地描绘许多脸部特征。

耳朵的构造相对较复杂，需要好好研究并认真练习才能画得好。耳朵的形状在顶部和底部有较大变化，顶部看上去呈拱形，边缘有宽有窄，底部有耳垂，或直接与颈部连接。由于耳涡和耳回，耳朵常被比作贝壳。

嘴巴的丰富表现力仅次于眼睛，静止状态的嘴巴最容易画。运动中的嘴巴能传递很多情感。嘴角上扬能表现幽默的表情，下垂表示不愉快和悲伤，它们不需语言就能表示内心的各种愿望。

下巴对于表现脸部特征具有特别的作用。当下巴向前伸出时，它给人好斗和果断的感觉，当往后退缩时，给人缺乏力量的感觉。对于女性来说，圆润的下巴是较理想的，而对于男性，有着硬朗线条的下巴才是理想的。

步骤一 在作画之前要仔细观察对象 步骤二 构图要饱满，一般在面朝向的地方要稍微多留一点，要整体入手，注意头颈肩的关系，注意肩膀的透视。步骤三 五官的基本位置确定下来，眼睛嘴角的透视要准确，暗面可以统一的上一层调子增强对象的体积感，注意头发的体块。步骤四 用纸把暗面擦一遍，让暗面统一起来，可以加深五官让它在脸部跳出来，在五官的细节部位下面再作分析。步骤五 注意暗面要透，眼神生要突出体积感要强，注意空间感头的暗面、亮面、脖子、衣领的明暗关系要注意然后再注意细节的调整步骤六 基本完成，头发的颜色要与衣服的颜色有区别，脖子不要有太多的细节关键在于体积感五官生动前后空间感明显，是一幅很好的素描示范一、眼睛：对年轻女性眼睛的处理要特别认真仔细。眼部可以理解为一个半圆体，眼皮有一定的厚度，对内眼角、外眼角的结构，上下眼皮的变化要认真分析。瞳孔的色素较重，高光较亮，黑白分明。二、鼻子，嘴：这幅作品头微仰，要特别注意鼻子的结构与透视关系。鼻孔要画得透气。嘴的变化是人物性情的外在表现。此画嘴角的变化与 眼神相呼应，生动地刻画出人物刚柔相济的内在气质。另外，年轻女性的嘴唇红得较鲜艳，质感柔软，所以考生在 处理时要注意和脸部颜色有所区别。 三、下颌，脖子：下颌的骨骼要画得硬，脖子的肌肉应处理得柔软。女性的皮肤细腻、白皙，表现时不能画得过重，可以灰一些，这样才能表现女性的特点。四、头发：头发的质感柔软、蓬松有光泽，颜色比较重，应特别强调虚实关系和疏密变化。第一步：用用轻淡的直线画出人体的大轮廓，处理好构图。第二步：借助于形体结构关系，透视关系，动作关系，使轮廓更准确和具体化。第三步：用准确的有力的线条从局部画起，逐步画出各部位形体，施以简洁的色调加强体积的表现。第四步: 整理完成，从整体效果出发，通过加强减弱等方法处理，使画面详略得当，主要形象特点鲜明突出。（一）人物特征的表现人物头像不仅有复杂的结构，更有丰富的表情。在循序渐进的素描写生中，先训练抓“形”，在较熟练地掌握了形的基本规律后，逐渐达到“以形写神，形神兼备”这样便要求头像的塑造时注意模特儿的形象特征。 鲁道夫·阿思海姆在《艺术与视知觉》一书中曾证明出人在视觉上存在两种习惯倾向，即整平化与尖锐化，在整平化倾向化的人往往强调对称，剔除细节，消除倾斜，有尖锐化倾向的人则产生分离，加强差异，强调倾斜。这两种倾向都不利于造型，整平化的缺点更为有害，它易呆板的毛病是肖像个性化的严重障碍。 头像的生动神态的捕捉，主要取决于五官表情区的刻划。安格尔说：“画头像时，一个艺术家所最关心的就是让眼睛说话，即使是一般的眼睛，首先应该画眼窝，然后过渡到隆起的鼻子。眉毛的运动方向也是表情的关键，嘴角对微妙表情的变化反映更加细致准确。 （二）另外，手在某种精神状态下的意识的反应，也会把面部要隐藏的东西暴露出来。画家所作的是把他对手的观念与真的手的概念统一起来――用真的手的概念去研究手的用途，使用方法和规律。画手就先要了解它的结构，从几何结构，即从圆柱体、立方体来理解对的方法，手与表现，手与性别等等。 （三）衣纹：衣纹的表象来自人体的结构和自身的质地，产生衣纹的原因：（1）与人体的形体结构相一致，是力的作用，与人的运动或外力有关；（2）由服装本身的样式有关；（3）长期折叠形成的；（4）衣服自身垂力产生的垂感。（四）线型与衣料的质地由一料的质地不同，影响衣纹的形状如丝绸类的质地较薄的衣服，衣纹多而密，线型也较柔圆。麻布等硬质类衣纹多用折线、直线，线型方而短，呢绒及化纤织物，衣纹少而挺。我国传统绘画对衣着的造型，也有很高见解，并总结出一套不同于西画的完整的表现样式和体系，沈宗骞在《芥子图学画编·人物谈话》中说：“周围骨骼要从衣外看出，何处是肩，保处是肘……，凡此皆骨骼之隐于衣中，而于作纹时随笔写出。”“先将****骨骼约定，后施衣服。”其中道出衣服结构与人体结构之间的关系。 以线为主画衣纹，须更加重视衣纹的提练，概括和取舍。写生时要充分发挥线条的疏密，长短，虚实节奏等效果，有时并带有一定的装饰性。这一点在中西绘画中有异曲同工的一致性。 （五）全身人物着衣写生 它是肖像画的一种，也是收集创作素材的重要手段，它在胸像的基础上，更推进一步，要求画者对整体的了解和掌握，对整个人物形体各部分的刻划与协调能力的提高。对人物个性的体现将是全面的，甚至包括场景在内。（六）手的具体画法 手由二十七块骨和十六个关系组成，手背和形状几乎由骨决定，手骨有腕骨、掌骨、指骨组成。腕骨有八块，和足部跗骨一样呈不规则形。它们结合成一个整体。 具体描绘手时，要掌握手的比例、体积和体积。手的体积有两部分，（1）手掌；（2）大拇指，手平放从侧面看，腕关节高，自指关节倾斜，被称为“降价式”象一级降低的台阶。 （七）小结素描（线描）人物写生，综合起来说就是先由头像、胸像、半身像、全身像四阶段的写生训练，每个阶段的要求不一样，但从整体到局部，由局部再加到整体这一方法是不变的，多训练、多研究、多比较，方能一步步的取得进步。 1、头部的造型和构成规律； （1）结构特征 头部的骨骼构架，是一个外圆内方的六面体，它由额、颧、上下颌、腮四个基本部分组成。头及其各部分造型的几何特点。（2）外形特征即脸形特征，头部正面的外轮廓形状。人类的脸形是无限多样的，但归纳起来，可概括为八种基本类型，即申、甲、国、田、日、用、由、风形。（3）比例特征a、发际至眉、眉至鼻底、鼻底至下巴三段基本相同，称“三庭“； b、脸部正面最宽处为五个眼的宽度，即两眼间距为一眼，两眼外至两耳分别为一眼，称“五眼”。 C、眼通常位于头部正中1/2处。（4）五官造型特征五官是头部的重要构成因素也是把握人物的关键内容。 眼：一般来说眼是人物神态的核心，眼部包括眼眶、眼睑、眼球。眼总的造型可理解镶嵌于凹框中的球体。 鼻：分鼻梁和鼻头，其总体造型可概括为一个梯形立方体，鼻头是把握鼻子造型的关键，也是形体最复杂的部位，它是由鼻头、鼻翼、鼻中隔和鼻孔构成。 嘴：分上下唇，闭和处为口裂，两端为口角，嘴的体积受上下颌的影响，总得体积为半圆柱形。 耳：由耳软骨支撑，有外耳轮、内耳轮、耳屏、对耳屏、耳垂、耳孔组成。2、头部写生要点；（1）从大体积着眼 五官和头发是头部重要的表现内容，但这些局部因素必须服从和附着于头部的大的体积，必须时时关注这两者的关系，而头部造型必须特别注意造成体面转折的几个骨点：顶结节、额丘、眉弓、颧骨、颏结节。（2）动态与透视头不动态的准确把握依赖于对其透视变化的正确理解。可将眉弓、鼻、口裂视为三条水平线，将眉心、人中、下颌尖视为与这组水平线垂直的中轴线，它们共同组成头部的动向线，通过它们在运动中的透视变化来观察和把握动态特征。（3）神态与个性特征神态与个性特征是头像表现的精神内容，要使其正确生动，首先要依赖与对形的把握和理解即“以形写神，富神于形，形神兼备”。而形的把握，依赖于敏锐的直觉。（4）各部位的质感表现与石膏头像不同，真人头部各部位是有质感差异的，比如头发是丝状光洁的；鼻子，尤其是鼻头是蜡质的；嘴多皱皮质薄，这几个部分都因质感光亮而易产生高光。敏锐地感觉和表现各个部位的质感特点，会使画面表现效果更具体生动。